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Tradicional artesanía india, como canastas; joyería o cerámica son la principal expresión del arte en brasil. La escultura de Antonio Lisboa es uno de los principales ejemplos del arte colonial brasileño. Durante los últimos años del Siglo XVIII y principios del Siglo XIX el creó numerosas imágenes de santos que permanecen en diversas iglesias del estado de Minas Gerais.

La literatura brasileña ha venido a ser conocida por definir perfectamente a la gente del país. A mediados del Siglo XIX, brasileños, indios y esclavos crearon trabajos muy buenos, incluyendo poemas de Antonio Gongalves Días y Antonio de Castro Alves, así como el libro de Guarani, de 1857, por José de Alencar.

A principios del siglo XX, el novelista Joaquim Maria Machado de Assis y Euclides da Cunha se hicieron famosos por su representación de situaciones reales en el cambio de la sociedad brasileña. Machado de Assis escribió Don Casmurro en 1900, una obra que fue traducida a varios lenguajes. De la obra de Cunha debemos destacar Rebelión, de 1902.

Después de 1920, la literatura brasileña adquirió influencia regional. Famosos novelistas escribieron sobre las luchas de los habitantes del noreste de Mina Gerais, como Jubiaba, en 1935, por Jorge Amado y el Demonio que paga en los territorios de interior, de 1956, por Joao Guimaraes Rosa.

Durante los primeros años del siglo XX, una gran cantidad de brasileños ganaron fama por sus estilos destacados en algunos campos. El arquitecto Oscar Niemeyer diseñó las construcciones modernas para Brasilia. El Pintor Candido Portinari creó murales que se exponen en Nueva York y en Washington, el compositor Heitor Villa-Loboscombinó la música clásica brasileña en su sinfonía Bachiana Brasileira.

Pintura y Escultura

Fueron los jesuitas y benedictinos los primeros cultores de la pintura de la época colonial. Los religiosos pintaron en iglesias, claustros y en objetos sagrados bajo la influencia del estilo predominante entonces, el barroco europeo.

La prosperidad económica, producto de la explotación del oro, atrajo a muchos talentosos artistas europeos en el siglo XVIII, lo cual generó una época espléndida del arte barroco.

Los artistas brasileños siguieron en el siglo XIX y XX las tendencias internacionales del neoclasicismo, romanticismo, impresionismo, academicismo y modernismo.

Destacan las obras de Victor Meirelles y Rodolfo Amoedo en lo referente a pintores de estilo autóctono.

Los trabajos de María Martins, Bruno Giorgi y Victor Brecheret han alcanzado renombre mundial en escultura contemporánea.

El arte indígena tenía en sus orígenes objetivos religiosos y utilitarios, pero después de los primeros contactos con los extranjeros, los artesanos nativos fueron transformando sus creaciones de acuerdo a la demanda de los comerciantes.

En la actualidad destacan los trabajos realizados con plumas de aves, la cerámica, como la de los indios Marajó o Carajás o la cestería de los Kaxinawá.

Cándido Portinari
Pintor brasileño descendiente de italianos, figura influyente dentro de la creación de un estilo indiscutiblemente brasileño. Portinari estudió en la Escuela de Bellas Artes de Río de Janeiro. Obtuvo una beca en 1928 que le permitió viajar por Europa donde descubrió la pintura al fresco. A su regreso a Brasil comenzó a observar y pintar la vida cotidiana brasileña. Su estilo armoniza la abstracción europea con los paisajes y gentes del país. Los temas regionalistas en los que basa gran parte de su producción se plasman a través de un dibujo armonioso y vivo colorido. Portinari gozó de éxito y reconocimiento durante su vida. Entre sus encargos destacan los murales para el edificio de las Naciones Unidas de Nueva York, para la Biblioteca del Congreso de Washington y para el Ministerio de Educación y Cultura en Río de Janeiro.

Obras:

1933 - 30 años Morro Material: Óleo sobre tela. Medidas: 114 x 145,7 cm. Museo: MOMA. Nueva York	1934 - 31 años Labrador de café Material: Óleo sobre tela. Medidas: 100 x 81 cm. Museo: Museu de Arte de São Paulo Chateaubriand
1935 - 32 años Café Material: Óleo sobre tela. Medidas: 130 x 195 cm. Museo: Museu Nacional de Belas Artes. Rio de Janeiro	1935 - 32 años Fútbol Material: Óleo sobre tela. Medidas: 97 x 130 cm. Museo: Colección Sérgio Fadel. Rio de Janeiro

Literatura de Brasil

La literatura de Brasil posee exponentes destacados como el clásico ensayo sociológico Casa grande y senzala (1933) de Gilberto Freyre, escritores como Machado de Assis ("Don Casmurro", "Memórias Póstumas de Brás Cubas"), Jorge Amado (Doña flor y sus dos maridos, La tienda de los milagros, Gabriela, clavo y canela), João Guimarães Rosa (Grande Sertão: Veredas), Érico Veríssimo (O Tempo e o Vento) y Fausto Wolff (O Acrobata Pede Desculpas e Cai). Entre los poetas se destacan Carlos Drummond de Andrade, Alphonsus de Guimaraens, Haroldo de Campos, etc. Un lugar especial merece Paulo Coelho y sus novelas espirituales (El alquimista, El Peregrino de Compostela-Diario de un mago), uno de los escritores más leídos de todo el mundo.

Arquitectura
Brasil conserva numerosas edificaciones de la arquitectura colonial que han sido proclamadas por la Unesco Patrimonio de la Humanidad.

Sin duda la ciudad de Olinda, en el Estado de Pernambuco, es uno de los mejores ejemplos de la arquitectura colonial, así como el Centro Histórico de Salvador de Bahía, donde puede observarse elaboradas muestras de la arquitectura portuguesa de la época colonial.

La antigua ciudad de Ouro Preto, en el Estado de Minas Gerais, guarda la pieza maestra del arquitecto Antonio Francisco Lisboa, conocido como "Aleijadinho", en la Iglesia del Buen Jesús. Es el mejor exponente de la época dorada del barroco brasileño.

Las misiones jesuíticas edificaron numerosas instalaciones en Río Grande do Sul, en las fronteras entre Brasil, Argentina y Paraguay en el siglo XVII. Son notables trabajos en madera. En constraste, la Unesco ha reconocido el centro urbano de Brasilia como una de las mejores muestras de la arquitectura moderna brasileña.

La arquitectura en la zona del Amazonas.
La riqueza que proporcionó la explotación del caucho provocó la construcción de edificios de influencia europea en el Estado de Amazonas. No en vano Manaos es llamada el "París de los Trópicos". En Manaos son notables el Teatro Amazonas, el Complejo Flotante del Muelle, el Palacio de Justicia (de influencia francesa) o la Secretaría de Seguridad en la Plaza de la Saudade.

MÚSICA

Para muchos, hablar de música brasileña implica únicamente la Samba, una mezcla de ritmos boleros con ritmos africanos (especialmente los procedentes del tam-tam de Angola), Bosanova (estilo musical, y movimiento intelectual con un nuevo planteamiento en la forma de cantar y de tocar los instrumentos. Su fundador fue Joao Gilberto) y Su fundador fue Joao Gilberto, seguido de Jobim, el compositor de la famosa pieza "La Chica de Ipanema", o tal vez nos evoque una vaga imagen de Carmen Miranda con un extravagante sombrero de frutas y quizás también del Tropicalismo, mezcla de las influencias musicales que llegaron al país en los años sesenta y que dieron lugar a un estilo de samba más eléctrico, ritmos del pasado y el presente.

La verdad es que la música de Brasil tiene mucha más diversidad, vitalidad e impacto alrededor del mundo que cualquier otro país latinoamericano; con la excepción, tal vez, de Cuba.
Una de las cosas que hace tan buena a la música brasileña es que está basada en una increíblemente rica tradición cultural. Las raíces son básicamente las mismas que en el resto de América Latina: África, Europa e indígenas locales. Pero la influencia en este caso, y lo que distingue a Brasil del resto del continente, es que es portuguesa; y esa especial y fluida elegancia del idioma y la música son en gran parte lo que hacen a Brasil tan especial. En Brasil, la música es mucho más que entretenimiento, es la banda sonora de la vida.
Es un ambiente constante de ritmo y melodía que enriquece y mantiene a la gente; en los buenos y en los malos tiempos.

A lo largo del año en Brasil, los ritmos de samba, bosanova, música popular, forró, pagode, música sertaneja, el "trío eléctrico" o "frevo bahiano"; el carimbó, la música del Amazonas; el afoxé, ritmo negro de origen religioso y muy cercano al Candomblé o la Lambada, Axé music, el Hip-Hop, funk y muchos otros estilos están constantemente en el aire.
La fiesta más famosa de Brasil es el Carnaval de Río, una fiesta que está directamente conectada a la música. Es la samba que hace que cientos de bailarines se muevan a su son, que salten, que estén disfrazados, que estén en plena diversión en las calles, todo forma parte del carnaval de Río, concentrándose casi todo en la Avenida del Marqués de Sapucai.
En Salvador es lo mismo, Recife y Olinda no se quedan atrás, la música circula por las calles a ritmo de samba, y el olor a fiesta impregna la ciudad.
La música brasileña también es muy importante en las celebraciones religiosas, uno de los mejores ejemplos es la música que inunda las calles durante la Procesión de Cirio de Nazaret, en la ciudad de Belén.
Entre los músicos populares más destacados pueden mencionarse a Vinícius de Moraes, João Gilberto, Antonio Carlos Jobim, Caetano Veloso, Dorival Caymmi, Chico Buarque, Milton Nascimento, Elis Regina, Gilberto Gil, Cassia Eller, Rita Lee, Maria Bethânia, Gal Costa, Nara Leão, Maysa Matarazzo, Simone, Nana Caymmi, Jorge Ben Jor, Roberto Carlos, Ivete Sangalo, Marisa Monte, Daniela Mercury, los grupos de metal:

Kiko Loureiro, Andre Matos, Angra, Sepultura, Soulfly, los grupos de pop-rock Skank, Legião Urbana, Titãs, Engenheiros do Hawaii y Os Paralamas do Sucesso, el guitarrista Baden Powell, entre muchos otros.
Brasil también tiene una importante tradición en la música clásica. En la época colonial, el nombre más destacado fue el compositor José Maurício Nunes García, con gran repertorio de música sacra y fuertes influencias del clasicismo vienés de Haydn y Mozart. Por el romanticismo, los nombres más conocidos son Elias Álvares Lobo, que escribió la primera ópera brasileña con texto en portugués, A Noite de São João (esp. "La Noche de San Juan"), y Antonio Carlos Gomes, conocido internacionalmente por sus óperas italianas con temática brasileña, como "Il Guarany". Giuseppe Verdi dijo de él, cierta vez: Questo giovane comincia dove finisco io! ("Este muchacho empeza donde termino"). Pero el período moderno fue el más notable, con el nacionalismo brasileño de compositores como Heitor Villa-Lobos y Camargo Guarnieri, y también los movimentos de vanguarda, representados principalmente por Cláudio Santoro.
Algunos de los intérpretes eruditos más famosos de Brasil son el pianista Nélson Freire, las sopranos Bidu Sayão y Guiomar Novaes y los maestros Eleazar de Carvalho e Isaac Karabtchevsky. Es brasileña también la Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo, conocida como una de las orquestas más destacadas del mundo.

Toda esta diversidad de estilos de música proviene de los radios en taxis, cajas de ritmo rurales, bocinas oxidadas en cantinas en la playa e improvisadas sesiones en vivo en las esquinas. Un tributo a la gente cuya pasión y creatividad musical no tienen igual. Y ya sea que lo escuchemos en portugués o en cualquier otro idioma, está música tiene la calidez para encender nuestro fuego interno. Por todo esto, quisiera hacer un intento de acercamiento de algunos estilos más actuales de la música brasileña y mostrar que existe un sin fin de géneros musicales que para muchos creo que aun son desconocidos.

Sertanejo

Música Sertaneja, el estilo musical auto-proclamado heredero de la "música caipira" y de la moda de viola que se caracteriza por las melodías sencillas y melancólicas; muchas veces es llamada "música do interior". Hoy en día, el termino música sertaneja viene siendo por algunos  sustituido por el termino musica country debido a la influencia de la musica country norte-americana que la industria brasileña esta usando como nuevo segmento comercial en la television y en la industria de grabacion. El adjetivo "sertanejo" originariamente se refiere a todo lo propio de los "sertões" o sea del pueblo caipira (campesino) del interior de Brasil, interior de Sao Paulo y de los Estados de Minas Gerais, Goias, Mato grosso, Mato Grosso del Sur y Parana.
Es conocida como "Caipira" o "Sertaneja" la música compuesta y tocada en las zonas rurales del campo, la antigua "Moda de Viola". Los caipiras o sertanejos, a veces dúos o en solitario utilizaban instrumentos artesanales y típicos de Brasil-colonia, como la viola (guitarra), acordeon y gaita (armonica). Cornelio Pires es el primer gran promotor de esta música, fue el primer en conseguir en 1928 que este estilo entrase en las discograficas brasileñas, siendo considerado el precursor de los sertanejos de la llamada cultura de masas. Grabo varios discos y popularizo la música caipira en Brasil.

Forró

Forró es una danza popular originaria del Nordeste de Brasil. Esta danza va acompañada de música, que posee este mismo nombre. La temática de esta música va ligada a los aspectos culturales y cotidianos de la región Nordeste de Brasil. Los instrumentos utilizados originalmente son el triángulo el acordeon y la zabumba ( tambor tipico nordestino).
De acuerdo con los investigadores musicales este genero musical surgió en el siglo XIX. En esta época, como las pistas de baile eran de barro batido, era necesario mojarlas antes para no levantar polvo. Las personas bailaban arrastrando los pies para evitar levantar el polvo.
El origen del nombre de esta danza , el Forró, tiene varias versiones pero la mas aceptada es la del folclorista e investigador de la cultura popular Luiz Câmara Cascudo. Según el la palabra forró deriva de la abreviatura de forrobodo, que significa arrastra-pie, confusión, farra.
Una de las principales características del forró es el acto de arrastrar el pie durante la danza. Esta es realizada por parejas que bailan con los cuerpos bien pegados, trasmitiendo sensualidad.
A pesar de ser típicamente nordestino, el forró  fue ganando adeptos por todo Brasil siendo un gran éxito. Fueron los emigrantes nordestinos que llevaron el forró por todo el país en la década de 1960 y 1970.
Actualmente existen varios géneros de forró: forró electrónico, forró tradicional, forró universitario y el forró pé de

serra.

Axe Music

Axé Music, o simplemente Axé es un genero musical surgido en el estado de Bahia en la década de 1980. Durante las manifestaciones populares del carnaval de Salvador, que mezcla las Marchas de las Musicas Latino-caribeñas como Frevo pernambucano, Forro, Maracatu, Reggae y Calypso, que es derivado del Reggae.
A veces el termino Axé Music es utilizado erróneamente para designar todos los ritmos de raíces africanas o el estilo de música de cualquier banda o artista que provienen de Bahia. Hay que señalar que no toda la música baiana es Axé, pues hay el Olodum, un ritmo de África del sur, Samba de Roda y Pagode producidos por algunas bandas, Caliypso, proviniente del Caribe y Samba-reggae, una novedad.
La palabra "Axé" es una forma de saludo religioso usado en el candomble y la umbanda que significa energía positiva. Expresión corriente en el circulo musica

l soteropolitano (Quien nace en Salvador es oficialmente llamado “soteropolitano”. La palabra tiene origen en el latín: sotero = salvador; polis = ciudad; tano = nacido) y fue anexada a la palabra de la lengua inglesa music, por el periodista Hagamenon Brito para formar un termino que designara peyorativamente aquella música bailable con aspiraciones internacionales.
Con el impulso de los medios de comunicacion y la publicidad el axé music rápidamente se expandió por todo el país ( con la realización de carnavales fuera de época, las Micaretas), y fortaleciéndose como industria, produciendo éxitos durante todo el año.
Todos los artistas y bandas tienen como propuesta pasear por los diferentes estilos de Axé-music para no quedar estancados en un estilo concreto, asi generalmente los repertorios de disco y conciertos muchas veces presentan variaciones en un mismo estilo.

Axé-pop — Muy cercano del Pop-rock, su mayor diferencial es la identificacion de los artistas de axé-music.Algunas veces hay la presencia de elementos de samba-reggae y otros estilos.

Axé-afro — Marcado por Atabaques

y agogos, instrumentos de origen africano, priorizan la percusion. El afoxé (definido popularmente como um ritmo do Candomblé), interpretado por los musicos baianos hace parte de este estilo. En la mayoria de veces, las letras tienen temas relativos a la raza negra.

Axé-caribeño — Notablemente con inspiracion caribeña, en especial la salsa y el merengue, utiliza esta misma sonoridad con el apoyo de sintetizadores en substitucion a los metales, La musica caribeña fue muy influente a la hora de  formar el axé-music, que incorporo muchos de sus elementos.

Axé-Pagode — A pesar de utilizar todos los instrumentos del Pagode y de la samba tradicional, incorporaban también tamborines y agogo.

Axé-romântico — Generalmente presenta letras que abordan temas como el amor y relaciones, utiliza tecnicas de rock’n roll en músicas mas suaves incorporando el uso de pianos, sintetizadores y algunas veces saxofones.

Samba-reggae — Tiene a Olodum como precursor y se caracteriza por la fusión de los compases de la samba, con prioridad en las cajas de repique en detrimentos de los surdos (tambor cilíndrico de grandes dimensiones y sonido profundamente grave) y el ritmo del reggae, con prioridad en los timbales.

Axé-tribal — Mezcla música y conceptos étnicos, generalmente utilizando vestimentas relativas a tribus ( negras o indigenas).

Pagode

Pagode designa fiesta, reuniones para compartir amistades, música comida y bebida. Surge como celebracion de la Samba a mediados del siglo XIX y se consolida en el siglo XX en Rio de Janeiro.Anteriormente ya eran celebradas estas fiestas en senzalas (alojamientos grandes donde vivan los esclavos de las haciendas y fabricas). Con la abolicion de la esclavitud se establecieron los negros liberados en Rio de Janeiro - muchoes de ellos negros baianos y que tienen una relación intrínseca con el sincretismo de religiones de origen africano, como el camdomble y la macumba - el Pagode se consolida como la necesidad de compartir y construir la identidad de un pueblo recién liberado y que necesita dar otra función al cuerpo que hasta entonces solamente era instrumento de trabajo. Por eso la relación estrecha entre la música y la danza en la cultura de origen africana a pesar de tener el echo de sincopa (notas fuera del tiempo normal de los compases) como principal característica de la construccion técnica-bocal, derivada de la percusión que marca el ritmo.

Antiguamente pagode era considerado como fiesta de esclavos en senzalas. A finales de la década de 1970, en Rio de Janeiro el termino paso a ser asociado a fiestas en casas y calles de los suburbios cariocas, en bares de avenidas del centro de Rio y de la periferia, regadas con bebida y con mucha samba. La palabra Pagode, en un sentido corriente surgió de fiestas en favelas y en fondos de los patios cariocas que hablaban sobre sentimientos (alegrías y tristezas) de las personas que alli vivían.
La samba adquirio diferentes formatos a lo largo de varias décadas, entre los cuales "samba de bregue", "samba-canção","samba-enredo", "samba de partido-alto", , "samba-puladinho", "samba-sincopado" (o gafieira), "samba de rancho", "samba de roda", "samba com Axé" y Samba-Reggae". El Pagode es una forma mas derivada de la samba de finales de la década de 1070.
Para algunos, el Pagode presenta nítidas diferencias de la samba que era hecha entonces.Tiene una velocidad de compás mas ligera, agresivo, además de introducir el repique de manos creado por el músico Ubirany, del grupo Fundo de Quintal,el tantã (tambor creado por el músico y compositor Sereno, del grupo Fundo de Quintal) y el banjo con brazo de cavaquinho (creado por Almir Guineto).Es un ritmo de mas festejo que la samba tradicional.
Genero típicamente popular . el Pagode se convirtió en éxito nacional en fiestas en los suburbios de la ciudad de Rio, especialmente por la aglutinación espontánea de sambistas en Ramos, Abolição, Madureira, Oswaldo Cruz, Vista Alegre, entre otros.
Los primeros Pagoderos en destacar fueron Almir Guineto, Zeca Pagodinho, Caprí, Deni de Lima, el grupo Fundo de Quintal, Jovelina Pérola Negra, Jorge Aragão, Mauro Diniz y Nei Lopes.Un importante álbum del genero es "Raça Brasileira", de 1985, que cuenta con la participación de muchos de estos artistas.Al año siguiente fue lanzado el primer álbum de Zeca Pagodinho, que obtuvo grandes ventas.
Con el paso del tiempo, el genero paso a aceptar otros instrumentos como el teclado.Y en la década de 1990. el Pagode raíz fue perdiendo cada vez mas terreno para una variante mas comercial, con grandes índices de ventas.Grupos ya no cariocas y también paulistas tuvieron éxito por tocar un Pagode mas romántico. Hoy por hoy este estilo mas comercial convive con el estilo raíz y ambos tienen mucho éxito en el país.

Imagen de Cantantes Bras

ileros

DO Brasil

La cultura brasileña ha estado influenciada no sólo por los portugueses, que aportaron su religión e idioma, sino también por los indios nativos, la numerosa población africana y otros colonos procedentes de Europa, 0riente Próximo y Asia.

Es por ello que se encuentran diversas razas diferentes, sabores, sonidos y culturas. Tiene pequeñas porciones de todo, porciones cogidas desde todos los puntos del planeta.

El resultado de todo esta diversidad es vibrante, una atmósfera relajada y conocer como es la forma de vida de los brasileños.

Los brasileños son muy orgullosos, orgullosos de su música, orgullosos de su religión, orgullosos de su forma de vida, de su arquitectura, orgullosos de su cocina diversa, orgullosos de todo aquello que tienen para ofrecer.

Los brasileros son probablemente la gente más feliz del mundo y no importa cuanto soportan. Siempre hacen bromas y juegan todo el tiempo. A ninguno le gusta estresarse con grandes preguntas sobre la vida y sacan siempre lo mejor de lo que tienen. Muy a menudo un brasilero puede decirle:

"Mire, yo tengo mi esposa, mi samba, mi cerveza, mi fútbol por TV, mi barbacoa - por qué querría vivir en algún otro lugar?"
Las casas coloniales y las construcciones históricas se encuentran alrededor de todo el país y recuerdan la intensa cultura brasileña. Muchos de ellos han sido testigos directos de muchos eventos del pasado brasileño.

La Capoeira es el producto cultural de exportación más famoso en estos días. Una danza que evolucionó cuando los esclavos disfrazaban sus artes marciales con baile. Se forma un círculo con personas que tocan los instrumentos tradicionales y dos luchadores en el medio realizando acrobacias y lanzando patadas. Nunca hay contacto entre ellos dos y siempre mantienen el ritmo de la música. Cada tanto, nuevos participantes toman los lugares en el centro del círculo. Esta danza es ideal para volverse fuerte y acrobático.

La Samba es uno de los bailes más sexis del mundo y su música es cautivadora. Una ronda puede comenzar sólo con un guitarrista y un percusionista en un bar de la calle y luego todo el mundo comienza a cantar y a bailar alrededor. Hay escuelas de baile y de música por todas partes si usted quiere aprender samba o bosanova.

Brasil es un país muy rico culturalmente pero sólo dentro de sus propios límites. No hay mucha conciencia de lo que sucede en el resto del mundo y cualquier extranjero puede ser llamado gringo.

Río de Janeiro es el más grande centro cultural de alcance nacional y mundial. Ahí se sitúan la Academia Brasileira de Letras y la Biblioteca Nacional (la más grande del país). También es célebre por su fiesta de carnaval y desfile de agremiaciones (las "escolas de samba"). Los museos más sobresalientes son el Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Arte Moderno (MAM), el Museo Indígena y el Museo del Fútbol, en Maracaná, 3º más grande estadio del mundo. También destaca el Museo de Arte Contemporáneo de Niterói (MAC), en el Estado de Río de Janeiro.

São Paulo tiene el Museo de Arte Moderno, el MASP, el Museu do Ipiranga, la Pinacoteca do Estado de São Paulo y el Museo de la Lengua Portuguesa entre otros. Además, es el más grande centro cultural de América de Sur, con un evento ocurriendo a cada 2 minutos (en media) y los mejores restaurantes del continente.

La arquitectura brasileña ha destacado con arquitectos de impacto mundial desde el Aleijadinho (Antonio Francisco Lisboa), en la época colonial, hasta Oscar Niemeyer, en el siglo XX.

La historia de la cultura de Haití no es un tema que podamos tratar detalladamente,Sin embargo, es posible presentar, en este artículo, algunos aspectos:

Haití es un país bilingüe, pero no como Suiza, o como el Canadá, en donde dos elementos diferentes hablan dos idiomas distintos; tampoco como Puerto Rico donde se habla indiferentemente el español o el inglés. En Haití, la frontera enire los dos idiomas no es geográfica, sino social; por lo tanto se trata de una diferencia de clase y educación. Al lado del francés, que es la lengua oficial, hay otra lengua vernácula o, mejor dicho, un dialecto que se llama creol, instrumento de comunicación entre los cuatro millones de habitantes del país. La mayoría del pueblo, especialmente los campesinos, no hablan el francés. En cambio la 'flor y nata' y las clases cultas sí, y al respecto podemos afirmar que lo manejan como cualquier auténtico francés. Detengámonos un poco sobre el creol, puesto que constituye una de las facetas más interesantes de la cultura haitiana. El creol se formó de los dialectos franceses traídos por los colonos que se establecieron en las Antillas como Martinica, Guadalupe, Haití. Al contenido básico de los dialectos franceses se agrega una influencia española que procede de la primera ocupación de esta isla por los españoles. El creol posee su estructura gramatical propia y un vocabulario bastante rico. Al respecto, el lingüista haitiano Jules Faine ha escrito la Philologie creóle 1, y el ilustre profesor norteamericano Robert A.

Hall, Jr., actualmente catedrático en la Universidad de Cornell (Estados Unidos), un interesante libro sobre Haitian creóle: grammar texis, vocabulary, publicado por la American Anthropological Association
en Washington 2.

En el creol hay palabras que no tienen nada que ver con el francés y que toman su origen en el español. Los ejemplos que ofrecemos a continuación tienen el mismo significado en ambas lenguas: berejen
= berenjena; bobo = bobo; busqué - busque (imperativo de buscar); cachapicá = pica con la cacha; ciruel = ciruela; cocoló = cabeza en forma de coco; curidil = correveidile; chuipá = chupar; gadyé = gallera; golpe = golpe; loque - loco; mangó = mango; nich = nicho; tchul - chulo; tocay = tocayo; zapat = zapato. El léxico español constituye una fuente importante del crcol y, a pesar de la mezcla de otros dialectos desde el principio de la colonización, sobrevive en la lengua vernácula de Haití.

No cabe duda de que la lengua inglesa también ha influido en el creol por la simplificación de la forma verbal que se parece más al inglés que al francés. En el mecanismo del verbo, esta influencia es muy notable en el hecho de que el pronombre sólo cambia ante la forma verbal que es invariable, y así tenemos la conjugación del verbo ecr't =. escribir; en modo indicativo: tnap ecr't (escribo) - I write; uap ecr't (escribes) - you write; lap ecñ (escribe) - he writes; nap ecr't (escribimos)-we write; uap ecr't (escribís)-you write; yap ecr't
(escriben) - they write.

Como podemos darnos cuenta, la gramática se caracteriza por su extrema sencillez, debido a la eliminación de la conjugación. Hay ciertos modos de expresarse en creo! que recuerdan el dialecto africano, como la repetición del adjetivo para indicar el superlativo; por ejemplo, al hablar de una chica muy guapa, se dice: cé ñu bel bel bubut; y de un animal muy pequeño: ñu ti bel tu pit't pití. Otra observación: los pronombres, verbos y adverbios se repiten de la misma manera para indicar la continuidad del movimiento; por ejemplo: avan li rivé, li cur't, li cur't ampil ampil, lo que quiere decir: antes de llegar, ha corrido y corrido mucho.

Esta lengua vernácula ha dado lugar a polémicas interesantes entre los que la consideran como vehículo de cultura y los que la desprecian. El mismo problema de analfabetismo se ha planteado en Haití como en los países indígenas de América cuando se trata de defender las culturas autóctonas en sus programas de reivindicaciones sociales.

Haití es esencialmente un pueblo en que la cultura popular se expresa en creol y la refinada en francés. Otra faceta interesante de la cultura haitiana se encuentra en su literatura. Haití, por no ser un país de lengua española o inglesa, vive muy aislado en América. El único punto de apoyo de su cultura es Francia. Indiquemos algunas características de la literatura haitiana de expresión francesa:

Al principio, la literatura haitiana fue una literatura militante. Nació en la época agitada de la revolución que dio por resultado la gran epopeya de Toussaint Louverture, la proclamación de la Independencia de Haití en 1804. Por consiguiente, los primeros documentos de la literatura haitiana son tratados, convenciones, estudios y memorias. El escritor más destacado de este período fue Julien Raymond, considerado como el precursor de los escritores negros de lengua francesa. Este origen guerrero ha dejado su sello profundo en nuestra literatura. La mayoría de los autores escribieron mucho más para darse a conocer que para hacer obra literaria. Inspirados por la lucha heroica para obtener la libertad, apasionados por los problemas humanos que habían arruinado al país física y moralmente, casi todos fueron políticos. Es por eso por lo que los primeros escritores fueron sobre todo historiadores, entre los cuales recordamos los nombres célebres de Beaubrun Ardouin, Emile Ñau, Lcspinasse, Saint-Rémy, Thomas Madiou.

Como decíamos, el único punto de apoyo de la cultura del pueblo haitiano es Francia. No es raro que los haitianos enterados de las nuevas corrientes literarias de Francia, las expresen en sus propios escritos. Son los que hallan su inspiración en los románticos y simbolistas franceses. Se les reconoce en el empleo de las imágenes, en la forma esmerada, en los temas que tocan lo humano, lo nacional, lo heroico, lo extraordinario. Entre los mejores poetas de este grupo, podemos mencionar a Osvvald Durand, Charles Moravia, Amédée Brun, Luc Grimard, León Laleau, Dominique Hyppolite. A este grupo pertenecen dos grandes escritores: Massillon Coicou, cuyas obras dramáticas en versos, Liberté y Le jils de Toussaint, fueron representadas con mucho éxito en los teatros de París, y Etzer Vilaire, a quien la Academia Francesa galardonó por sus Poésies completes.

Las tendencias científicas de fines del siglo xix se reflejaron en nuestra literatura. Los escritores, en su mayor parte sociólogos, produjeron obras de la más honda erudición. El ilustre diplomático Anténor Firmin publicó valiosos estudios sobre Francia y los Estados Unidos, y un importante libro titulado De la igualdad de las razas humanas 3. El campo científico sigue produciendo hasta ahora representantes califica

dos: Dantés Bellegarde, autor de La historia del pueblo haitiano 4; el doctor Jean Price Mars, Así habló el tío 5; Jules Faine, La filología criolla; el doctor Pressoir, La geología de Haití; Jules Blanchet, Las finanzas haitianas.

En el siglo xx las letras haitianas conocieron su mayor esplendor. Novelistas y poetas se dieron cuenta de la bella fuente de inspiración que constituyen los temas nacionales. La observación profunda de la realidad haitiana dio ocasión a un florecimiento de novelas llenas de interés y belleza humana.

Entre los novelistas contemporáneos hay que recordar a J. B. Cinéas, La herencia sagrada; Marc Verne, Lañe Villarceaux; Henoc Trouillot, Carne, sangre y traición 6. Pero los dos nombres más famosos son el de Jacques Roumain, autor de Gobernadores del rocío7, que conoció un rotundo éxito tanto en Europa como en América, y el de Philippe Marcelin, cuya obra Canapé vert 8 ganó el premio de la novela panamericana.

Entre los poetas modernos, los llamados poetas de la rebelión, destaquemos otra vez a Jacques Roumain, autor de Bois d'ébene9. Su desaparición prematura hizo que Jean Brierre expresara un homenaje postumo en aquellos versos conmovedores:

Tes yeux ne nous voient plus;
Ton regard nous éclaire.
Tes lévres sont glacécs;
Ton sourire nous féte.

Jean Brierre es autor de varias otras obras poéticas, de las cuales la más íntima se titula Chansons secretes.

Citemos, además a Roussan, Camillc, Assaut a la nuit; Félix Morisseau Leroy, Plenitudes; Rene Depestre, EttncelUs; Louis Neptunc, Gouties de fiel; Frank Fouché, Message. No olvidemos dos nombres populares en nuestros días: Magloire St. Audc et Cari Brouard, por su originalidad. El primero descubierto, hace poco, por el surrealismo francés. Ni las promesas del triunfo, ni las solicitudes de los editores han podido convencer a este poeta misterioso para comulgar con el público. La mayor parte de sus escritos quedan inéditos. El segundo, poeta vagabundo, escribe sus versos para decirlos a sus amigos y los publica de vez en cuando en la prensa diaria. En los barrios más humildes, en las pobres casas campesinas, Brouard ha descubierto su universo poético. El día en que se logre recoger sus poemas en volumen, tal vez se pueda decir de él que es uno de los poetas más genuinos de lengua francesa de nuestra época.

Actualmente, una tendencia moderna entre algunos escritores contemporáneos es la del africanismo, lo cual hace pensar en el indigenismo evocado en la literatura de algunos países hispanoamericanos. Para ellos, lo africano es la nota auténtica. Hay que buscar en los orígenes africanos, penetrar en el alma africana para revelar el secreto de la raza, pues, de lo contrario, Haití sería una imitación imperfecta de Francia. Esta tendencia se refleja en el arte, sobre todo en el folclor y la pintura popular: pincelada de los tambores, danzas campesinas, ceremonias del vodú (el vodú es una creencia popular basada sobre el culto de los antepasados).

Para Haití ninguna antología puede reflejar una fiel imagen de la expresión poética de su pueblo que ha tomado conciencia de sus afinidades africanas y que se ha dado cuenta de la originalidad de su cultura y del significado de su destino.

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1 Port-au-Princc, Imprimerie de l'Etat haitien, 1936.
2 Washington, American Anthropological Center, 1953.
3 De l'égalitc des races humaines, París, Maison Cotillón, 1885.
4 Histoire du peuple háitien, (Collcction du tr'cinquantenaire de l'Indépendance haitienne), L.-uisanne (Suisse), Imprimcric Held, 1953.
5 Ainsi parla l'oncle, Imprimerie de Compiegne, 1928.
6 Chair, sang et trahison, Port-au-Prince, Imprimerie Pierre-Noel, 1947.
7 Gouverneurs de la rosee, París, Les Editeurs Françáis Reunís, 1961.
8 PIERRE et PHII.IPPE MARCELIN, Canapé vert, New York, Edition de la Maisom
Francaise, 1944.
9 Port-au-Prince, Editions Henri Deschamps, 1945.

Escrito por:

GÉRARD BRUN

Haití es una nación de escasos recursos y aún en búsqueda de un camino confiable hacia el desarrollo y la libertad que anhelaron a principios del Siglo XIX sus fundadores al crear la primera República independiente de América. Pero es rica en vida, en la expresión y sensación de su gente, manifestada en el colorido y la magia de su pintura.

Los colores brillantes la perspective naïf, y el sentido del humor inteligente caracterizan el arte haitiano. Grandes frutas deliciosas y paisajes exuberantes son los principales objetos que se perciben en sus obras.

Existen escuelas de artistas como la Escuela Cap Haitien, que se dedica a describir en sus obras la vida cotidiana en la ciudad, la Escuela Jacmel, que refleja las montañas y bahías de la costa, o la Escuela Saint-Soleil, que se caracteriza por representar formas humanas abstractas y está fuertemente influenciada por el simbolismo del Vodou.

Los pintores de la región de Artibonite en Haití central han desarrollado su propio estilo que es muy reconocido en el país. Sus inicios se remontan a Saincilus Ismaël, quien estuvo influenciado por el arte bizantino. Ismael comenzó a pintar en 1956 luego de visitar el Centre d'Art de Puerto Príncipe. Sus pinturas están regidas por el detalle exquisito. Cada prenda de vestir o árbol está pintado con formas geométricas diferentes.

Otros artistas, como Delouis Jean- Louis o Alix Dorléus, también crecieron en Petite Rivière bajo la influencia de Ismael.

"La Bonne Recolte" de J.B. Chery, de AyitiCherieConnexion

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Arte Naíf

(Naïf = ingenuo) se aplica a la corriente artística caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados, y la perspectiva acientífica captada por intuición. En muchos aspectos, recuerda (o se inspira) en el arte infantil, muchas veces ajeno al aprendizaje académico.

El concepto naíf del francés naïf o naïve alude no solo a cierta ingenuidad que, aplicada en el arte, se formaliza en una graciosa falta de conocimientos técnicos y teóricos: en algunos casos suelen faltar un sistema de perspectivas o una línea de fuga así como un ajustado criterio de las proporciones o un elaborado trabajo cromático. En tal sentido lo naïf se ha asociado, en muchas ocasiones exageradamente, con el heterogéneo conjunto mal llamado "arte primitivo" y con el "arte infantil"; como quiera que sea, en francés el concepto de lo naïf y de la naïveté no solo se circunscribe a lo ingenuo y la ingenuidad sino también a una grata sencillez que, en el arte, se trasunta por un evitar rebuscamientos o sofisticaciones. En este sentido lo naíf puede estar dado por dos motivos distintos aunque no excluyentes: en primer lugar una ignorancia ("ingenuidad") respecto a las técnicas y teorías para realizar obras de arte y en segundo lugar por una búsqueda (consciente o no) de formas de expresión que evocan a la infancia y en tal caso la sencillez aparente es un elaborado esfuerzo de evocaciones, en el segundo de los casos para que el naïf sea auténtico la intención prístina ha de ser precísamente expresar formalmente lo que evoque a una infancia supuestamente ingenua, este punto es clave: un arte pseudonaíf revela un objetivo materialista comercial dedicado a un público target que puede ser potencial comprador.

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Pintores Haitianos

Alphonse Fritzner | Buffon Thermidor | Etienne Chavannes | Fortuné Gerard | Frantz Zephirin | Jacques E. Gourgues | Henri Jean Louis | Jacques Geslin | Jean Baptiste Jean | Jorélius Joseph | Levoy Exil | Pierre Louis Riché | Prèféte Duffaut | Reynald Joseph | Wilfrid Louis.

• FRETZNER ALPHONCE

Nació el 18 de julio de 1938 en Puerto Príncipe.
Siguió estudios de filosofía y luego su padre lo inició en el trabajo del cuero, que realizó hasta los 36 años.
Pintó su primer cuadro a los 34 años. Calixte Henri, su amigo de infancia que seguía cursos en el Centro de Arte le daba lecciones. En su casa, Fritzner podía ver libros de arte y apreciaba, particularmente, la pintura occidental del siglo XVI.
Frizner Alphonce pinta al óleo.

Exposiciones:
España, México, EEUU, Jamaica, Francia.

Cada uno de sus cuadros, se realiza en tres tiempos, el dibujo, el color y el detalle. Vive de su pintura desde 1974 y pinta todos los días excepto los domingos.

• Buffon THERMIDOR

Nació el 2 de abril de 1960 en Cabo Haitiano. 
Estudió hasta el 3º año del Liceo. Comenzó a pintar a los 18 años, pero a los 7 años ya frecuentaba el atelier de Philomé Obin. 
Su principal inspiración se encuentra naturalmente en la arquitectura tan particular de Cabo Haitiano, casas coloniales con balcones de madera. Adquirió en su estilo una destreza que hoy lo hace reconocer como un maestro del género.

Exposiciones:
Suiza, Senegal, Martinique, Francia en el Museo de Arte Naïf Jakovsky, Niza y en numerosas exposiciones colectivas.

Es uno de los mejores representantes de la escuela del Cabo.

• Etienne CHAVANNES

Nació el 15 de Julio de 1939 en Cabo Haitiano.
Estudió en el liceo hasta tercer año. De los 25 a los 30 años trabajó en el SERVICIO NACIONAL DE LA MALARIA, en Puerto Príncipe.
Luego volvió a su tierra natal y durante 6 meses siguió los cursos de Philomé Obin. Pero el siente una inspiración muy diferente del estilo de su maestro, entonces el se aísla y trabaja para encontrar su propio camino.
Hace un solo cuadro y se lo va mostrar a un galerista de Puerto Príncipe, quien lo anima y le da algunos consejos, luego vuelve a Cabo Haitiano y afina su estilo.
Pinta escenas de la vida cotidiana, de todos los días, en medio de un colorido decorado de arboles.
Pasa 6 años en el Centro de Arte de Puerto Príncipe.

Exposiciones:
1978 - Brooklyn Museum de New York
1982 - Detroit
1982-83 - Paris, Belgica, Alemania, EEUU, 

Se autodefine como un pintor de imaginación y de temas muy variados que pinta desde hace 27 años.

• Fortuné GERARD

Nació aproximadamente hace 60 años (él desconoce la fecha), sólo habla créole, no sabe ni leer ni escribir. Vive en el mismo lugar donde nació, Montagne Noire, debajo de Pétionville.
El nunca ha salido de Haití, pero sus obras han participado en numerosas exposiciones colectivas y se encuentran en colecciones privadas.
Gerard es un naïf en estado puro y vive solo.

• Frantz ZEPHIRIN

Nació el 10 de diciembre de 1968 en Cabo Haitiano. 
Aprendió a pintar al mismo tiempo que a leer y a los 7 años ya vendía cuadros a los turistas. A los 12 años es obligado a concurrir al Liceo, donde estudia hasta 3º año, pero él, quiere pintar.
Pinta a la gente con formas de animales fantásticos. Su talento, su habilidad de miniaturista, su imaginación ilimitada, su fantasía y el cuidado extremo de sus realizaciones muestran un artista de primer nivel.
Trabaja con Pascales Monín y sus obras son reproducidas en los libros sobre arte haitiano.

Exposiciones:
Ha expuesto en Haití y en el extranjero.

• Jacques Enguerrand GOURGUES

Nació en Puerto Príncipe en 1931 y murió en 1996.
Se formó en el Centro de Arte y es una de las figuras destacadas de la pintura haitiana. Con el tiempo adquirió una técnica de calidad que reforzó la brutalidad de sus primeras pinturas. La gente y las cosas salen de la tela, llena de virtuosidad. Es muy apreciado en todo el mundo y sus cuadros tienen un alto precio.

• Henri JEAN LOUIS

Nació en 1955 en Jéremie y comenzó a pintar a los 20 años.
Alcanza un renombre muy pronto a partir de una exposición colectiva en París en 1975, en el Museo del "Hombre de París"
Pinta paisajes muy refinados y realistas, su pintura es la de un miniaturista.
Ha participado en numerosas exposiciones en Haití y el extranjero.

• Jacques GESLIN

Nació el 20 de marzo de 1954 en Jacmel. Frecuentó el atelier de los pintores Jérome, Dupoux y Simil durante seis años. En su obra reproduce la jungla, dictada por su imaginación, con gran variedad y destreza, se pueden observar loros, cotorras, cabras y caballos rodeados de una vegetación exhuberante. Sus obras se encuentran en grandes colecciones alrededor del mundo.

• Jean Baptiste JEAN

Nació el 21 de abril de 1953 en Cabo Haitiano, lugar que nunca ha dejado.
Tiene algunos estudios y pinta con una general alegría las escenas religiosas, los ángeles, los carnavales y las escenas de la vida del Cabo.
Su imaginación delicada y el rigor de la ejecución le han valido un renombre de la escuela del Cabo.

Exposiciones:
Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en Haití y el extranjero.

• Jorélius JOSEPH

Nació el 8 de diciembre de 1939 en Léogane, pasó toda su infancia en el campo y ya mayor se desplazó a Pétionville a trabajar de pastelero.
Al llegar a Puerto Príncipe, se puso a trabajar como empleado de embalajes del Centro de Arte y allí se sintió interesado por la pintura.
Realizó su primer cuadro a los 43 años. Su fuente de inspiración es el vudú y expone sus obras en el Centro de Arte, su estilo es cercano al puntillismo, y se acerca a la pintura del gran maestro Saint Brice.

• Levoy EXIL

Nació el 19 de octubre de 1944, en Soisson-la-Montagne, pequeño pueblo cercano a Puerto Príncipe.
Es uno de los pioneros de la escuela de Saint Soleil. Su reputación se engrandece junto a los cinco del grupo de la escuela Saint Soleil. Que se basa en mística con raíces en el vudú, y visiones de experiencias sensoriales.

Exposiciones:
Europa, Israel, EEUU y Francia

El escritor Malraux, lo cita en "L'Intemporel", donde reproduce una de sus primeras obras.

• Pierre Louis RICHÉ

Nace el 19 de octubre de 1954 en Cabo Haitiano.
Estudia filosofía y comienza a pintar a los 20 años, primero temas históricos. Trabaja en el atelier de Philomé Obin. Durante 19 años se consagra a la Historia.
En 1973 hace el cambio a las figuras gordas. Personajes únicos, principalmente mujeres, gordas y redondas, que ocupan toda la tela. El pintor ha manifestado que recién en 1994 tiene conocimiento de la existencia de Botero. Riché pinta varios cuadros a la vez. Puede hacer hasta seis telas por mes.

Exposiciones colectivas
Haití y Francia.
1996: su primera gran exposición individual.

• Prèféte DUFFAUT

Nació 1 de enero de 1923 en Cyvadier, pequeño pueblo a 5 km del puerto del sur Jacmel.
Empezó a pintar en 1948, siendo alumno del Centro de Arte de Puerto Príncipe. Su talento se impuso tan fuerte que fue seleccionado en el grupo de los más grandes para hacer los frescos de la catedral de la Santísima Trinidad.
Ya era muy conocido al final de los años 40. Es sin duda el pintor haitiano más conocido en el mundo. Sus construcciones de arquitectura rigurosa e imposible, cubiertas por arcos superpuestos sobre un mar siempre azul, marcando con rutas y caminos las montañas que se recortan sobre un cielo inmutable, son un desafío a la razón y un himno a la belleza.
También se lo puede clasificar entre los surrealistas según la terminología occidental, pero el escapa a este termino y al género. Duffaut creó un mundo propio de él, en el que evoluciona desde hace 50 años, precisando mas las formas y los colores sin lirismo.

Premios 
1968 - 1º premio del festival de arte negro en Dakar.
Exposiciones
EEUU, Sagre, París, Roma y Niza

Se encuentra en todos los museos importantes.

 

• Reynald JOSEPH

Nació el 4 de julio de 1973 en Pto. Príncipe, su padre es el pintor Wilfrid Louis, de gran notoriedad.
A los 14 años ya realizaba pequeñas obras con las que pagaba su colegio.
En 1996 estudiaba filosofía, y trabajaba en el atelier de su padre con 9 alumnos.
Su padre le exigía utilizar los tres colores primarios y obtener los demás por mezcla. El respetó este principio.
a los 16 años participó en una exposición colectiva en México y el Vicepresidente adquirió su pintura.

Exposiciones:
Ha participado en exposiciones colectivas en Haití, Francia y México.

• Wilfrid LOUIS

Nació en Pto. Príncipe el 17 de abril de 1943.
Cursa hasta 2º año y frecuenta la Alianza Francesa, donde devora los libros de arte, poesía y filosofía. En 1963 se inscribe en la Academia de Bellas Artes y estudia con Amerigo Montagutelli, el dibujo lo hace con René Exhumé y cerámica con Tiga. Frecuenta la Brochette, atelier donde los artistas sueñan con crear un "petit Montmartre".
Luego funda su propio atelier, el Maloulou atelier, para dar a un grupo de pintores los medios materiales para lograr un acercamiento profesional. En 1965 Roger Gaillard, rector de la Universidad de Puerto Príncipe, lo consagra en un articulo de Le Nouvelliste, el más antiguo periódico de Haití.
Su pintura de tendencia impresionista, nace de una técnica académica al servicio de una inspiración muy haitiana por los temas de sus cuadros. Sólo utiliza los tres colores primarios y pinta al cuchillo con una destacada destreza.
Es uno de los pintores más respetados de su generación.

Exposiciones:
Haití, Venezuela, Washington, New York y Francia

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Música

La cultura es muy rica en tradiciones y costumbres, en las que se conserva muchas prácticas de sus descendientes africanos. La música popular es el kompa o konpa, cantado generalmente en creole.

A pesar de las duras condiciones de vida, los haitianos conservan una alegría de vivir que expresan siempre que pueden a través de la música.

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Literatura

En la literatura haitiana predomina la lengua francesa. Aunque en la diáspora haitiana existen autores que escriben en inglés (como Edwige Danticat) o español (como Micheline Dusseck).

Entre los autores haitianos de prestigio internacional se encuentran: Jean Price-Mars, Jacques Roumain, Marie Vieux, Jacques Stephen Alexis, René Depestre, Jean Métellus, Dany Laferrière, Emile Ollivier y Louis-Philippe Dalembert.

No espere más y emprenda este viaje de descubrimiento y exploración de la realidad cotidiana y mística a la vez del pueblo haitiano...

AISLADAS POR LARGO TIEMPO de casi todo el acontecer artístico del Caribe, las artes plásticas de Jamaica, en especial la pintura y la escultura, se manifiestan con una personalidad poderosamente peculiar e inquietante. Los artistas jamaiquinos, particularmente aquellos que se destacan como los más progresistas, denotan poseer internamente una insularidad similar a la que geográfica, económica y culturalmente posee su país. La poca comunicación y el aparente desinterés por lo que sucede con su vecinos hispanoamericanos son tan solo una muestra. En la mayoría de esos países, el arte de Jamaica permanece como una gran incógnita.

Claro que de ninguna manera quiere decir esto que el arte de Jamaica sea desconocido completamente en el extranjero. De hecho, sus artistas más notables, o por lo menos un buen número de ellos, se han presentado en Estados Unidos y en Inglaterra en diferentes exposiciones, como por ejemplo "Jamaican Art 1922-1982", expuesta por intermedio de Sites en el BID, en la antigua sede de la calle 17. Asimismo, varias exposiciones de arte de Jamaica han tenido lugar en Londres, por ejemplo "Jamaican Intuitives", expuesta en el Commonwealth Institute. Algunas otras, como fue el caso de la exposición "New World Imagery", organizada por la Hayward Gallery, de Londres, recorrieron varias ciudades de Inglaterra. Todas esas exposiciones, sin embargo, han referido el arte al contexto particular del propio del país.

Esta exposición, en cambio, intenta establecer una perspectiva diferente, enfocada desde afuera más que desde adentro de Jamaica. Sin restarle importancia a eventos históricos que son motivo de orgullo nacional, ni menoscabar los logros individuales de los artistas jamaiquinos, es normal que, mirado desde este ángulo distinto, el arte seleccionado para la exposición plantee un abanico de nuevos interrogantes.

La selección ha dejado fuera obras tradicionalmente consideradas iconos del arte nacional, por ejemplo las esculturas Negro Aroused de Edna Manley, y Head de Ronald Moody, ambas en la colección de la National Gallery of Jamaica. Dado que estas obras poseen un carácter emocionalmente significativo, incluirlas podría resultar contraproducente para la exposición.

La evolución del arte en Jamaica hasta el inicio de los años sesenta de este siglo, visto a través del cristal histórico nacional, parecería en principio reafirmar el esquema tradicional de una cultura que en lo político no se ha apartado completamente de su modelo colonialista, sino que permanece amarrada a éste, principalmente las elites económicas.

Una de las consecuencias es que lo artístico queda supeditado a dicha situación, impidiendo el desarrollo de una ideología o una forma de pensar que, articulada e integradamente, identifique el carácter verdaderamente pluralista de la sociedad. En esta forma, el proceso que eventualmente lleva a una sincretización de todos los elementos que intervienen en ella no ocurre, o se desenvuelve con una gran lentitud.

Cuando miramos el mapa total de naciones-islas del Caribe, como Cuba, Haití o República Dominicana, e inclusive su homólogo más cercano, Puerto Rico (que goza de un estatus político muy similar al de Jamaica), vemos que en ellas puede con más facilidad relacionarse el producto artístico con el conglomerado social, como respuesta a un comportamiento cultural. El auge del grabado en Puerto Rico al comienzo de los años cincuenta, por ejemplo, se originó por una necesidad que inicialmente no tenía nada que ver con lo artístico: la enseñanza de la medicina preventiva dentro del sector de la población más desfavorecida, por medio del afiche impreso, de bajo costo. Esta situación nos habla de cómo ciertas iniciativas pueden estimular el desarrollo humano en otros campos, manteniéndose ese desarrollo contextualizado dentro de las aspiraciones comunitarias.

Este y otros fenómenos parecidos contribuyen a establecer un comportamiento cultural en sus manifestaciones visuales, que, como en el caso del grabado puertorriqueño o el mismo muralismo mexicano, se expresa a nivel popular con gran claridad por tener una relación directa e identificable con las causas del cambio social y político. En la trasmisión de la memoria cultural, hay ciertos patrones que permanecen, puesto que aun en su transformación la sensibilidad nunca pierde su conexión espiritual con los parámetros colectivos.

Al analizar el arte de Jamaica, con excepción del correspondiente a la elite colonial, resulta difícil identificar parámetros colectivos, entre otras razones porque las obras de otros segmentos sociales no parecen haberse conservado con el mismo interés. La fragmentación resultante confiere a la exposición una cualidad peculiar dado que presenta obras con intenciones y sentimientos disímiles. Desde otro ángulo, explica su discontinuidad histórica, lo cual demuestra que ello no es inconveniente para que puedan producirse, como por combustión espontánea y en un momento dado, manifestaciones de extraordinaria vitalidad artística cuya dinámica es la ausencia de referencias inmediatas.

Por lo tanto la imposición de la cultura inglesa en Jamaica, si fuera a juzgarse solamente por los resultados plásticos del acervo hasta ahora acumulado en el país (y fuera de él), parecería más un ejercicio mental que otra cosa, puesto que la evidencia física, en muchos casos, nos habla de otras realidades que han existido aunque no aparezcan con igual contundencia en los diversos estadios de otros hechos históricos. Ejemplos de estas realidades los constituyen la existencia --aún por profundizar-- de un arte Taíno y Arawack en la isla (1); la relativamente efímera presencia española (2) y el desdén con que inclusive hoy se mira dicho acaecer en retrospectiva (Jamaica no se vinculó a las celebraciones del Quinto Centenario); y la contundente presencia africana que representó en un momento dado el 95% de la población (actualmente cerca del 75%), además de otras minorías como la mestiza, la libanesa, la china y la indú (cuyas migraciones se produjeron alrededor de 1845).

La presencia de tradiciones africanas, por ejemplo, no sería incorporada abiertamente a la expresión artística, incluyendo la literaria, hasta mediados de la década del 1930. No podría por lo tanto asumirse que dicha presencia no tiene nada que ver en el desarrollo del país.

ISAAC MENDEZ BELISARIO
Cocoa Walks, c. 1840
National Gallery of Jamaica

ALBERT HUIE
The Vendor, 1939
National Gallery of Jamaica

MILTON GEORGE
Head of a Leader, 1988
Guy McIntosh Collection

WINSTON PATRICK
Guango Form, 1978
National Gallery of Jamaica

BOB MARLEY:

Robert Nesta Marley, nacido el 6 de febrero de 1945, en Nine Mile, una pequeña localidad al norte de Jamaica, no podía imaginar que llegaría a convertirse en uno de los mitos musicales de este siglo.Cedella Booker, una mujer africana afincada en Jamaica, de 18 años y de Norval Marley, un capitán del ejército británico, que se desentendió de su hijo. A finales de los años cincuenta, Robert se trasladó con su madre a Kingston, la capital. Era la ciudad donde los habitantes de las zonas rurales acudían para mejorar su situación económica.Como la mayoría de las familias rurales, su destino fue los barrios pobres y míseros. Gran influencia tuvo en la vida de Bob Marley la religión Rastafarí, mezcla de profecías bíblicas, filosofía naturista y nacionalismo negro.

Este cantante jamaicano, principal figura y difusor de la música reggae, una mezcla de ritmos folclóricos jamaicanos, rock, rhythm and blues y soul.

En 1960, con sólo quince años, Bob Marley formó un grupo vocal, entre cuyos miembros estaba también Peter Tosh, otro de los importantes del género. En 1962, Jimmy Cliff (otra futura gran estrella) presentó Bob Marley a un productor y grabaron su primer disco: Judge Not.

Con el nombre de The Wailing Wailers grabaron más de una veintena de singles de éxito a nivel nacional, entre 1963 y 1967. En 1967 Bob Marley renegó del cristianismo para abrazar la religión rastafari, un movimiento político religioso caribeño que debe su nombre a Ras Tafari, es decir, el emperador Hailé Selassié de Etiopía, y que proclama que los habitantes de las Indias Occidentales proceden de Etiopía y allí volverán.

Ese mismo año la banda se disolvió, y ya constituidos como los futuros Wailers, rodaron de aquí para allá, de sello independiente en sello independiente y escribiendo canciones para otros, hasta que en 1972 firmaron un buen contrato con Island records y editaron Catch A Fire.

Ése sería el primer L.P. reggae de grupo como tal, un trabajo que recibió grandes elogios por parte de la crítica, al que le siguió una larga gira por el Reino Unido y América. Burnin´ se editó en 1973, incluyendo el que más tarde sería un gran éxito de Eric Clapton, I Shoot The Sheriff.

Las ediciones de álbumes se sucedieron con éxito creciente, convirtiendo a Bob Marley en una de las personas más apreciadas en su país. Pese a sus constantes viajes, Bob Marley nunca olvidó su preocupación por las diferencias sociales de la población de la isla, hasta el punto de ser herido por un disparo en 1976, atentado de claro origen político. En un esfuerzo por colaborar en la eliminación de la violencia existente entre las distintas facciones, Bob Marley organizó conciertos de reconciliación con un éxito que aun agrandó más su imagen pública, no ya sólo como músico, sino como líder social.
En 1972 retomó su carrera de músico, aunque no fue hasta 1977 cuando editó un nuevo disco de larga duración: Exodus -que contó con dos singles de éxito en Gran Bretaña-, al que le siguieron Kaya y su segundo álbum en directo, Babylon By Bus.

En 1978, un tour mundial le acerca a África, referencia de inspiración para su siguiente L.P.: Survival. Constantes giras de conciertos le mantenían activo, pero en septiembre de 1980 desfalleció en el escenario, y poco después le diagnosticaron cáncer. Acababa de editar Uprising, y a pesar de someterse a tratamiento, falleció en 1981. Fue enterrado en Jamaica con honores de Jefe de Estado y se puede decir que ha pasado a ser uno de los mitos de la música del siglo XX.

Documental de su vida: